?

Log in

No account? Create an account

pavel_kosenko


Павел Косенко

«Хорошая фотография – это неудачная плохая» (с) Г. Пинхасов


Entries by category: искусство

Шагающие человечки
pavel_kosenko

(с) Анри Картье-Брессон

Большинство фотографов, увлекшихся уличной фотографией, проходят замечательный и очень важный этап своего развития. Я называю его «шагающие человечки». Не минула сия чаша и меня самого, что уж там. Настало время сказать правду! Кто если не я?

Итак, что же это такое — «шагающие человечки»? Я бы сказал, что это способ фотографического мышления. Заключается в том, что автор уже научился видеть интересные геометрические формы в окружаещем его пространстве (особенно богаты на формы пространства городские), и теперь испытывает естественное желание оживить эти формы. Соответственно, найдя необычный геометрический «задник» (задний план), фотограф ждет, когда в нем появится что-то живое. Вбежит кошечка, вспорхнет птичка или, что самое вероятное — войдет человечек.

Если же человечек не войдет, а например, впрыгнет, может уже получиться шедевр! А если человечков будет несколько, да еще и кошечка войдет, и птичка впорхнет, шедевр гарантирован.

Вот, собственно, и весь секрет уличной фотографии. На своем мастер-классе в Москве в 2010 году Стив Маккари сказал: «Есть только два способа делать уличную фотографию. Первый — вы находите эффектный задник, и ждете, когда на его фоне появится выразительный «передник», то есть человек или, скажем животное. Второй — вы находите выразительный «передник» (фактурного персонажа) и бежите за ним, пока не появится эффектный задник.» Решающий момент Картье-Брессона в действии!

Обычно, используя этот метод, можно получить весьма необычные снимки (извините за тавтологию). Особенно на взгляд начинающего фотографа. Но если присмотреться к ним внимательнее, часто видно, что это тщательно продуманные, математические кадры. Как только зритель «расшифровывает» фотографию, понимает методику его съемки, она неизбежно перестает восхищать его также, как прежде. Загадочность усиливает эффект восприятия, решенный же «ребус» наоборот — его ослабляет.

Посмотрим внимательно на заглавный снимок к этой статье, хорошо известную фотографию Анри Картье-Брессона. Очевидно, автор подметил афишу с балериной, лужу с присобовлениями для ее перепригивания и то, как отражаются в луже перепрыгивающие ее прохожие. Осталось лишь дождаться, когда очередной прохожий сделает это. Вполне вероятно, фотограф сделал 10, 20 или даже 100 дублей, чтобы поймать нужную ему фазу движения. В итоге получил тот снимок, который хотел. Тщательно продуманный и заранее спланированный. С решающим моментом нажатия на кнопку спуска.

На первый взгляд эта фотография кажется абсолютным шедевром и, по сути действительно им является. Почему? Ведь в наше время любой фотограф может сделать подобный кадр, формула «решающего момента» давно раскрыта. Все просто — Брессон был первым. Все остальные использовали его открытие, иногда удачно, иногда не очень, но всегда оставаясь вторыми, третьими и далее согласно нумерации.

У целого поколения уличных (и не только уличных) фотографов, выросших на наследии Брессона, можно увидеть массу фотографий с «шагающими человечками». Иногда совсем просто, в лоб. Иногда чуть сложнее. Иногда очень сложно. Давайте посмотрим несколько примеров, ставших на сегодня уже классикой. Теперь вы знаете, как были сделаны эти шедевры. Не так уж и сложно, не правда ли?

много примеров и немного текстаCollapse )

Подписывайтесь на мой канал в Телеграме. Я в других соцсетях — Инстаграм, Фейсбук, Вконтакте.


promo pavel_kosenko january 1, 2010 00:05
Buy for 50 tokens
Полный список фототуров и выездных мастер-классов: http://www.frameway.club

Умные книги для фотографов
pavel_kosenko
Предлагаю вашему вниманию список книг, на которые стоит обратить внимание современным фотографам. Эти материалы помогут научиться понимать современное и классическое искусство, а также значительно расширят творческий кругозор.

«Самое время», Джефф Дайер
«Очерки по истории российской фотографии», Ирина Чмырева
«Статьи и диалоги», Иосиф Бакштейн
«Что такое искусство?», Артур Данто
«Искусство и революция. Эрнст Неизвестный и роль художника в СССР», Джон Бёрджер
«В потоке», Борис Гройс об искусстве в эпоху интернета
«Как смотреть на картины», Сьюзен Вудфорд
«Модернизм и современное искусство», Эми Демпси
«Краткая история фотографии», Вальтер Беньямин
«Диалоги», Анри Картье-Брессон
«Правда не нуждается в союзниках», Говард Чапник о фотожурналистике
«Фотография. Всемирная история»
«Разговоры с Пикассо», Брассай
«О положении вещей. Малая философия дизайна», Вилем Флюссер
«Сознание, прикованное к плоти. Дневники и записные книжки. 1964-1980», Сьюзен Сонтаг
«Фотовек», Владимир Левашов
«Фотография и ее предназначения», Джон Бёрджер
«Пять лекций о кураторстве», Виктор Мизиано
«Политика поэтики», Борис Гройс
«Фотографическое: опыт теории расхождений», Розалинд Краусс
«Camera Lucida. Комментарий к фотографии», Ролан Барт
«Искусство. Всемирная история», Стивен Фарсинг
«Скрытая перспектива», Роберт Капа
«О фотографии», Сьюзен Сонтаг
«Болезнь как метафора», Сьюзен Сонтаг
«Борис Михайлов», Борис Гройс
«Супрематический сказ про два квадрата», Эл Лисицкий
«Искусство смотреть. Как воспринимать современное искусство», Оссиан Уорд
«Искусство видеть», Джон Бергер

Подробное описание каждой книги — по ссылкам.

Подписывайтесь на мой канал в Телеграме. Я в других соцсетях — Инстаграм, Фейсбук, Вконтакте.


«СРЕДА». Три года спустя
pavel_kosenko


Казалось бы, совсем недавно я писал пост «СРЕДА. Год спустя», и вот незаметно прошло еще два года. Что изменилось за это время? Этот пост я начну с тех же слов, что и в прошлый раз:

1 сентября 2015 года мы закрыли фотошколу и начали заниматься тем, что не имело коммерческого потенциала, но было нам самим интереснее всего — фотоплёнкой и авторскими книгами. Многие знакомые крутили пальцем у виска: «Плёнка? В 2015 году? Наверное у вас много лишних денег, которые вы хотите пустить на ветер». Нет, лишних денег у нас, к сожалению, не было. Но было глубокое внутреннее понимание — мы хотим делать то, что действительно любим. Поэтому мы не стали писать никаких бизнес-планов (которые, конечно же, потерпели бы полный крах), а просто с головой и огромным удовольствием погрузились в работу — стали издавать книги и продавать фотоплёнку.

Первые 2,5 года были убыточными. За это время лично я вложил в бизнес стоимость неплохой трехкомнатной квартиры в Москве (которой у меня нет и никогда не было). Я был абсолютно уверен в успехе, хотя эта уверенность не имела под собой никаких логических обоснований, более того — противоречила им. Несмотря на это, в этом году нам удалось преодолеть порог безубыточности. Более того, мы продолжаем развиваться теми же темпами, что и на старте, ежегодно удваивая обороты, активы и прибыль.

Три года — это приличной срок. За это время у нас поменялись интересы, квалификация, приоритеты и многое другое. Компания развивается весьма динамично и даже через полгода мы порой не узнаем сами себя. Сегодня я хочу показать вам несколько фотографий и рассказать о том, что представляет из себя «СРЕДА» сейчас, через 3 года после начала работы в новом формате, на «умирающем» рынке аналоговой фотографии.

Для начала немного статистики. На сегодня наша клиентская база насчитывает 20,000 клиентов, значительная часть которых пользуются нашими услугами постоянно. Ежемесячно нашими новыми клиентами становится 300 человек. Ежедневно наш магазин на ул. Вавилова посещает 150 человек. Ежемесячно мы продаем 6300 роликов пленки, проявляем и сканируем 4300 роликов пленки. Эти показатели увеличиваются в среднем на +7% ежемесячно.

Основные наши направления сегодня:

1. Магазин фотопленки и аналоговых товаров для современных фотографов
2. Онлайн-магазин с доставкой по всему миру
3. Пленочная фотолаборатория
4. Даркрум
5. Багетная мастерская
6. Кафе
7. Фотогалерея
8. Клуб пленочной фотографии

Теперь обо всем этом чуть подробнее, с фотографиями и буквами.

много картинок и словCollapse )

Подписывайтесь на мой канал в Телеграме. Я в других соцсетях — Инстаграм, Фейсбук, Вконтакте.


Что такое хороший вкус?
pavel_kosenko
Публикую небольшой кусок из моей будущей книги с черновым названием «Делайте плохие фотографии». Извините, что без картинок. Чистый текст, потому что до подготовки иллюстраций дело еще не дошло (книга вообще далеко не закончена). Вместе с тем, все чаще приходится встречаться с дискуссиями о чувстве вкуса. Так как я свой взгляд на эту тему уже изложил, пожалуй, имеет смысл его опубликовать. Наверняка в будущем этот материал будет доработан и расширен. В данный момент я публикую его в виде четырехчастной статьи с общим названием «Что такое хороший вкус?»

Часть 1. Эволюция восприятия цвета
Часть 2. Сколько цветов различает глаз?
Часть 3. Вкус и вкусовщина
Часть 4. Что такое хорошо и что такое плохо

много букв без картинокCollapse )

P.S. В настоящий момент книга написана, по моим оценкам, примерно на 30%. К сожалению, времени ее писать у меня очень мало, поэтому работа движется медленно. Но, я надеюсь, когда-нибудь все же ее завершить.


Тот самый Кодак Голд
pavel_kosenko


Видите впечатанную на фотографии дату? 11 ноября 2017 года. Да, эти фотографии я сделал сегодня. На ту самую легендарную пленку Kodak Gold из 90-х, за которой охотился целых 2 года. В том или ином виде я покупал ее на ebay, пару роликов дарили друзья. Вся она была со сроком годности до 2007 года. Все это время я был уверен, что она с тех пор не производилась.

Однако месяц назад «СРЕДА» стала официальным партнером Kodak Alaris и мы наконец получили доступ ко всему ассортименту фотопленок, которые производятся в настоящее время. И что же вы думаете? Оказывается, Kodak Gold жив! Более того, он производился все это время. Просто около 10 лет подряд не поставлялся в РФ и многие другие страны. Во время десятилетнего «пленочного кризиза» 2005-2015 годов официальные дистрибутеры Кодака во многих странах сократили ассортимент, оставив только самые бюджетные пленки. Но кризис давно кончился, объемы продаж пленки во всем мире растут уже 2 года, а дистрибутеры все никак не проснутся.

Поэтому пришлось брать инициативу в свои руки. Вчера по специальному заказу на склад нашего магазина напрямую от Кодака поступила первая пробная партия Kodak Gold 200 и Kodak Ultramax 400. Это по сути одна и та же пленка, отличается лишь чувствительностью. Вся пленка исключительно свежая! Произведена в 2017 году, срок годности — август 2019 года.

В ассортиментной линейке Kodak она стоит ровно посредине между самой бюджетной фотопленкой Kodak Color Plus и довольно дорогой профессиональной пленкой Kodak Portra. Грубо говоря, Kodak Gold для тех, кто хочет крутые цвета, но душит жаба на Портру. Именно такой выбор чаще всего и делали в 90-х годах обычные люди (не профессионалы). В общем, легендарная пленка снова в России!

Конечно, я первым делом бросился ее тестировать. Мне очень хотелось понять, тот ли самый это Голд, или что-то изменилось. Все мы помним цвета старого Кодак Голда — золотистую кожу, натуральный цвет зелени и фирменное сине-зеленое небо. При словах «Кодак Голд» в моей голове всплывает образ загорелых тел на фоне черного моря, но... «не сезон, подумал Штирлиц».

Как еще можно проверить эту пленку на оригинальность, когда на улице не то чтобы нет моря, но и даже солнца нет, и в ближайшее время не предвидится. Конечно, поснимать со вспышкой! Потому что тот самый Голд славился своей золотистой кожей и со вспышкой тоже. На бытовых сюжетах — дом, семья, вечеринки и т.д.

И вот я покупаю ролик Kodak Gold 200, заряжаю его в камеру и снимаю дома всякие дурацкие сюжеты с детьми. Потом проявляю, сканирую и печатаю пленку. И что же вы думаете? Да! Он самый! Тот самый Кодак Голд! Рассказываю подробнее.

много текста и фотокCollapse )


Багетная мастерская. Материалы для оформления фотографий
pavel_kosenko
Это вторая статья из цикла «Багетная мастерская». Сегодня мы поговорим о том, какие материалы используются для качественного оформления фотографий, чем они отличаются друг от друга.

багетная мастерская

Перед нами — базовая схема оформления произведений изобразительного искусства. Существуют более сложные оформительские схемы, однако мы не будем их рассматривать в этой статье, т.к. они редко использутся в реальной практике, особенно применительно к фотографии, и в любом случае выходят за рамки оформления музейно-галерейного уровня.

В основе оформительской схемы лежит так называемый базовый «бутерброд», состоящий из четырех слоев. Сверху вниз:

1) Картон с вырезанным окном паспарту
2) Сама фотография
3) Клеевая основа или монтажная лента
4) Задний (подложный) картон

багетная мастерская

Такой «бутерброд» сам по себе может являться законченным произведением искусства, если он выполнен по специальным технологиям из специальных материалов, обеспечивающих хранение отпечатка в течение длительного времени. Оформление в виде «бутерброда» часто используется для портфолио фотографа, хранения фотографий в частных коллекциях и запасниках музеев. Именно в виде такого бутерброда отпечатки часто продаются на аукционах, в галереях и даже в обычных туристических и книжных магазинах.

При этом авторская подпись и информация об отпечатке (тираж, номер копии, дата съемки негатива, дата печати), а также сертификационные штампы даркрума/галереи (иногда штампы и автографы печатника и мастера-оформителя) ставятся на его задней части.

подробно про оформление фотографий и материалы, которые для этого используютсяCollapse )

Материалы подготовлены на базе даркрума, лаборатории и оформительской мастерской SREDA Film Lab. В следующих статьях мы поговорим о том, как правильно вырезать паспарту, промывать баритовые отпечатки, как работает термопресс, что такое обращаемость монтажа, как грамотно сертифицировать и подписывать фотографии и о многом другом. Оставайтесь на связи!


Багетная мастерская. 5 оформительских уровней
pavel_kosenko


Некоторое время назад я обнаружил, что накатанная в 2010 году на дибонд фотография полностью испортилась. Сквозь нее проступил следы клея, подтеки, эмульсия покрылась трещинами и пятнами.



Удивившись такой катастрофической деградации отпечатка всего лишь за 7 лет, я задумался о том, почему это произошло. Начал изучать вопросы оформления фотографий и познакомился с Пашей Дудниковым (на фото выше) — фотографом и сертифицированным оформителем Торговой Гильдии Изобразительных Искусств. В свое время он построил небольшую багетную мастерскую под личные нужды, т.к. смог не найти в Москве качественного оформительского сервиса. Другим фотографам Паша тоже помогает, в частности помог оформить мне некоторое количество фотографий и разобраться с базовыми определениями, как оказалось, весьма непростого дела.

К сожалению, многие даже очень опытные фотографы мало знают о стандартах оформления, о музейно-галерейных требованиях и том, как правильно обрамлять фотографии, если важно добиться их сохранности в течение многих лет. Меж тем, эти вопросы давно изучены, проверены на практике и тщательно задокументированы.

Так сложилось, что законодателем в области оформления фотографий является упомянутая выше Торговая Гильдия Изобразительных искусств (Fine Art Trade Guild, London). Эта организация существует с 1910 года. Занимается исследованиями в области оформления, консервации и архивации произведений искусства, стандартизацией процессов и материалов, созданием узкопрофильной документации, обучением и сертификацией профессиональных багетчиков.

Большая часть документации и учебников FATG предназначены сугубо для членов ассоциации (то есть для багетчиков), тщательно охраняется от несанкционированных публикаций и копирования. Однако некоторые документы предназначены для общего пользования. Некоторые есть даже на русском языке. С одним из них я хочу вас познакомить сегодня. Пожалуй, это ключевой документ, который имеет смысл изучить всем фотографам, которые планируют продавать свои отпечатки:


Five Levels of Framing (Пять Оформительских Уровней)

В документе подробно описаны пять основных стандартов оформления произведений искусства и соответствующие технические требования. Документ довольно большой, содержит специализированные термины, поэтому я попробовал максимально упростить его понимание. Ниже — конспективный, сокращенный до задач фотографов вариант с описанием основных отличий пяти уровней оформления.


1. Минимальный
Цель — сделать простейшую рамку с минимальными затратами. Цена в этом случае важнее, чем внешний вид и качество рамки. Подходит для временной демонстрации работы. Дешевый продукт, в который заказчик может вставить свое произведение.

2. Бюджетный
Цель — сделать приемлемую внешне раму по бюджетной цене. Не предпринимается никаких попыток защитить произведение искусства от старения. Подходит для работы, не имеющей коммерческой или какой-либо иной ценности.

3. Рекомендованный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить минимальный уровень защиты картины от загрязнений в атмосфере, обеспечивающий срок хранения до 5 лет в нормальных условиях. Подходит для работы с незначительной коммерческой или иной ценностью, в которой важен внешний вид изображения.

4. Консервационный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить высокий уровень защиты картины от физических и механических повреждений, загрязнений в атмосфере, кислоты, образующейся в материалах для оформления. Обеспечивает срок хранения работы до 20 лет в нормальных условиях. Подходит для коллекционных произведений искусства, которые необходимо сохранить на будущее — например, подлинные произведения искусства, постеры ограниченного тиража, которые могут потенциально возрасти в цене, а также работы, которые представляют индивидуальную ценность для заказчика.

5. Музейный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить максимальный уровень защиты картины от физических и механических повреждений (загрязнений в атмосфере, кислоты, образующейся в материалах для оформления) в нормальных условиях. Применяется для произведений искусства музейного качества, которые необходимо сохранить на будущее, в том числе уже очень ценных и имеющих потенциальную историческую ценность произведений. Все процессы должны быть полностью обратимыми.

Термин «нормальные условия», согласно определению Гильдии, обозначает отсутствие прямых солнечных лучей, температуру от 10 до 25°С, и уровень влажности от 40 до 60%.


Следует отметить, что работа многих оформителей на рынке не соответствует даже минимальному уровню оформления. Тем временем, если вы планируете продавать свои фотографии и не хотите разочаровать вашего покупателя через несколько лет после сделки, оформлять фотографии следует на уровне, не ниже четвертого.

Рассмотрим все уровни чуть подробнее:

подробно про оформление фотографийCollapse )


Как я начал снимать проекты
pavel_kosenko
Всего 3-4 года назад я не только не мог ответить на вопрос «Что вы хотели сказать своими фотографиями», но и считал подобные вопросы в корне ущебрными. При этом я козырял красивыми фразами вроде «Если бы автор хотел сказать, он бы сказал. Но автор не говорит, а показывает» и гордо заявлял о том, что я просто снимаю, занимаясь искусством фотографии в чистом виде, и ничего не хочу сказать своими снимками. Я считал, что хорошую фотографию невозможно и не нужно объяснять — она либо существует, либо нет, ее либо понимают, либо нет. Я был уверен в том, что слова в этом процессе излишни и даже вредны.

Однако прошло некоторое время, и мое отношение к смысловой части фотографии изменилось кардинальным образом. При этом я и сейчас не считаю правильным объяснять те или иные кадры. Это не только не нужно, но и часто бывает невозможно. В первую очередь потому, что отдельные снимки перестали иметь для меня значение, даже если это безусловные шедевры. Я могу им порадоваться (и часто радуюсь), будь то мои или чужие фотографии, но они не оставят в моей душе глубокого следа, если за ними не стоит чего-то более значимого, чем просто красивая картинка или уникальный решающий момент.

Времена Картье Брессона давно прошли. В наше время самостоятельные шедевры умеет делать каждый. А если еще не умеет, то научится при должном усердии. Но этого, к сожалению, слишком мало для того, чтобы заявить о себе как о современном авторе. Здесь возникает важный вопрос — а вообще говоря, надо ли это делать? Ответ на него будет индивидуальным для каждого фотографа. Вполне допускаю (и не считаю это зазорным), что многим людям этого не требуется. Я и сам был таким некоторое время назад. Но потом что-то пошло не так, и мой девственный взгляд на фотографию начал портиться.

Когда это произошло и почему, спрашиваю я себя? Почему я, свободный художник, не обремененный стереотипами проектного мышления, снимающий фотографию в чистом, незамутненном избыточными смыслами чувственном виде, вдруг перестал удовлетворяться отдельными хорошими фотографиями, коих у меня, безусловно, был вагон и маленькая тележка?

Оказывается, я начал меняться, когда однажды решил собрать свои работы в единое целое. Я еще не знал, что это будет: книга или выставка. Но был уверен, что это будут мои лучшие цветные снимки, сделанные за последние несколько лет. И вот, когда я начал работать над этим проектом (вот тут впервые и появилось это слово), то вдруг сделал для себя несколько важных открытий.

Несмотря на то, что все снимки были сделаны примерно в одной технике, они не собирались в единое целое. Самостоятельные «шедевры» разваливались, стоило их поместить рядом с другими аналогичными «шедеврами». Какой бы концепцией я не пытался объединить свои работы, сразу отпочковывался ряд фотографий, которые вываливались из единого ряда, причем таких фотографий было большинство. А те идеи, которые позволяли объединить все работы, оказывались чрезмерно банальными (помню одну из подобных с названием «Вокруг цвета»). Формально собрать проект из разрозненных фотографий было не сложно, но проблема была в том, что меня самого не устраивала смысловая и эстетическая целостность результата.

Потратив на попытки больше года, постепенно я начал интересоваться тем, как объединяют свои фотографии другие авторы. Стал интересоваться выставками, фотокнигами, победителями конкурсов и обращать при этом особое внимание на саму идею, авторское высказывание, которое делают фотографы. То есть стал буквально интересоваться тем, что хотел сказать автор своими фотографиями. Неожиданно для самого себя этот вопрос стал для меня актуальным, потому что я почувствовал острую необходимость осмыслить собственное творчество — зачем я делаю все эти, безусловно, великолепные фотографии? Что я хочу ими сказать?

Размышления на эту тему постепенно привели меня к моей первой проектной работе — книге «ОШИБКА». Сделанной на основе моих черно-белых фотографий, снятых на пленку в глубоком детстве, а не на основе цветных современных, как я хотел изначально. Эта книга была для меня тренировкой, пробным шаром. Она получилась в совершенно нехарактерном для меня стиле, но тем не менее это было искреннее высказывание. Немного наивное, как и сама тема, но зато я наконец целиком и полностью ощутил, что такое проект. И окончательно заболел этой заразой.

Дровишек в огонь подбросила поддержка отечественной творческой группы RIS (Russian Independent Selfpublished), которая представила мою книгу на западных международных книжных ярмарках в Амстердаме, Париже, Арле и других городах, где ее покупали западные коллекционеры. Вдохновленный «международным признанием», я с яростью приступил к следующему проекту. На этот раз я твердо решил, что новая книга будет состоять из цветных фотографий, ведь я цветной фотограф, это мой ключевой интерес в фотографии.

Однако, если в первом проекте у меня еще было несколько цветных снимков, то вторая книга получилась полностью черно-белой. Точнее, черно-черной, потому что ч/б фотографии в ней я напечатал на черной бумаге. И это было не выпендрёжом, а абсолютно осмысленной формой выражения конкретной идеи, которая родилась в моей голове при осмыслении собственных фотографий и моего собственного к ним отношения — идеи, которую я хотел таким образом донести до зрителя.

Судя по всему, мне это удалось. В 2016 году книга «Непрояв.» была представлена на выставках «Специальное издание. Фотокнига в России» (Фотомузей Дом Метенкова, Екатеринбург, Россия), The Photobook Exhibition (Benaki Museum, Афины, Греция), вошла в шот-лист конкурса INFOCUS Photobooks Exhibition 2016 (Phoenix Art Museum, Аризона, США), в 2017 приняла участие в выставке «Новый разворот» в Центре фотографии им. братьев Люмьер (Москва). Кстати, эта выставка будет идти до 28 мая, советую сходить всем неравнодушным к фотографии и проектному мышлению в современном искусстве.

Теперь, когда проектная муха укусила меня еще глубже, я уже не могу мыслить отдельными снимками. В какой бы стране я не фотографировал, какую бы пленку не заряжал в свою камеру, я каждый раз даю себе отчет в том, зачем я это делаю, и что именно я хочу сказать своими фотографиями.

Конечно, не всегда получается ответить на эти вопросы сразу. Нередко я экспериментирую, поддаваясь иррациональному чувству, которое увлекает меня за собой и ведет, казалось бы, в другую сторону. Но почти всегда эти эксперименты приводят к нужной цели, т.к. мое подсознание ею озабочено, даже если я сам этого еще не понимаю.

Более того, если первые два проекта я собрал на основе снятых ранее фотографий, то теперь снимаю вполне осмысленно под конкретную идею, которая живет и крепнет во мне с каждым месяцем вот уже полтора года подряд. Я не люблю рассказывать о том, что собираюсь сделать, предпочитаю говорить о том, что сделано. Поэтому пока не буду вдаваться в подробности. Скажу лишь, что полгода назад я уже было закончил этот проект, отсняв для него весь материал в десятке стран. Но очередной виток мысли вдруг дал ясное понимание, что можно сделать намного лучше, поэтому всю ту съемку я выкинул, и приступил заново.

Проектная съемка имеет много общего с психологией — наукой, которую я, с одной стороны, не признаю, с другой, активно использую в своей фотографической практике. Чем глубже работа над проектом, тем глубже копаешь в самого себя. А когда докапываешься до истинных глубин, порой страшно показать это широкой аудитории, чувствуешь себя голым перед толпой. Для того, чтобы довести проект до конца, нужна определенная смелость, и мне это тоже нравится — и докапываться до глубин, и смелеть.

Работая над проектом, постоянно делаешь новые открытия. То, с чего начинается мысль, часто настолько преобразуется в процессе, что от изначальной идеи не остается ничего. Если тебя осенило один раз, скорее всего это еще не проект, а просто первичная идея. Если работая над ней, тебя осенило еще 10 раз новыми мыслями и уровнями погружения — это уже признак того, что проект формируется как самостоятельное высказывание. Потому что проект — это многослойная многоуровневая концептуально-эстетическая категория. Катарсис, который испытывает автор при открытии каждого нового слоя или уровня, сложно передать словами.

Создавая проект, я нахожу для себя ответы на все вопросы с ним связанные. Я могу объяснить, почему выбрал именно эту камеру и пленку, а не какие-либо другие. Почему снимал в этих местах, а не других. Могу объяснить название проекта, выбор фотографий, их последовательность и любые мелочи вплоть до цвета страниц книги и ее формата, способа развески и освещения фотографий. Все это составные части проекта, работающие на единое целое.

Наличие ответов не означает, что я буду их объяснять кому-либо. Как правило, подрбоных объяснений делать как раз не требуется, особенно в стейтменте (описательном тексте проекта). Не стоит считать зрителя глупцом, не способным оценить и прочувствовать высказывание, сделать собственное небольшое открытие. Но очень важно иметь все ответы для самого себя. Поиск ответов меняет и развивает проект, помогает ему стать осмысленным высказыванием, а автору докопаться до глубин собственного восприятия. Проект сродни диссертации, а его результат научному открытию, только в искусстве. Невозможно сделать значимое открытие, «заминая для ясности» те или иные постулаты.

У проекта нет цели объяснить фотографии автора. Задача ровно обратная — сделать фотографирование осмысленным творческим актом. Это не значит, что фотография перестает быть иррациональной, спонтанной, чувственной. Осмысление это не игра ума, не объясняющие слова, как думают поначалу многие. Осмысление приводит от просто нажатия на кнопку к авторскому высказыванию. То есть не слова объясняют фотографии, а фотографии порождают смыслы (не обязательно, описываемые словами). Таким образом осмысление ни в коей степени не перечеркивает магию творчества, а ровно наоборот — усиливает её.

Но самое главное, что проект для меня — это наркотик. Если раньше я «курил травку», снимая отдельные фотографии, то теперь «жестко присел на георин». Я думаю, что испытав однажды высочайшую степень интеллектуального и одновременно с этим эстетического удовольствия от проектной фотографии, обратного пути у фотографа уже нет.

Но как начать снимать проекты? Одного желания сделать книгу или выставки для этого, к сожалению, недостаточно. Как говорил мой гитарный учитель, «для того, чтобы музыка была выразительной, автору должно быть что выражать». Для того, чтобы придти к проектному мышлению, должно не просто созреть желание осмыслить собственное творчество, но и появиться конкретные мысли на тему того, что и зачем снимает автор, что он хочет сказать своими фотографиями. На основе личного чувственного опыта должно созреть переживание, которым хочет поделиться автор. Эту мысль невозможно привнести снаружи, поэтому любой куратор, как и психолог, не дает ответы, а лишь задает правильные вопросы. Ответы может найти и сформулировать только сам автор, и никто более. Чего я вам и желаю, дорогие друзья и читатели моего журнала. Даже удивительно, что вы дочитали до этого места, за что вам большое человеческое спасибо.

P.S. Зачем я написал этот текст? Для своих друзей и учеников, с которыми мы часто обсуждаем вопрос проектного мышления в фотографии: что это такое, нужно ли это, как к этому придти. И вообще для всех, кто хоть раз задумывался об этом. Я решил поделиться своим опытом, потому что несколько лет назад мне самому очень не хватало, чтобы со мной поделились подобным. И, конечно, мне, как человеку ленивому, всегда проще дать ссылку на статью, чем каждый раз писать разным людям про одно и тоже. Надеюсь, этот текст оказался вам если не полезным, то хотя бы любопытным.


Иран. Пять портретов с комментариями
pavel_kosenko
Несколько дней назад вернулся из Ирана. Точнее, из Ирана и Армении, поскольку начали мы в Тегеране, а закончили в Ереване. Всего проехали около 3000 км, ирано-армянскую границу переходили в районе села Мегри (собственно, больше и негде).

На удивление привез много фотографий. Отснял целых 17 роликов по 12 кадров каждый, итого 204 снимка. Как всегда, технического брака почти нет. То есть почти нет фотографий недоэкспонированных, переэкспонированных или нерезких. Почти нет пустых кадров и дублей одного и того же сюжета. На все перечисленное ушло 9 кадров (из них 2 — случайное нажатие на кнопку спуска при убирании камеры в сумку).

Остальное 195 снимков — технически безупречный материал. Что, не удивительно, ведь это же пленка. Это когда на цифру снимаешь, делаешь сто тысяч бескчемных дублей и генеришь тонны брака, который потом надо неделями отсматривать и выявлять редкие шыдевры. А на пленке КПД намного выше, и вообще весь процесс гораздо проще, надежнее и быстрее.

Но, конечно, далеко не все сюжеты получились интересными. А из того, что получилось интересно, далеко не всё пойдёт в проект, над которым я сейчас работаю. Выкидывать или класть всю это невыносимую красоту просто в стол жалко, так что в ближайшее время, пожалуй, помучаю вас немного тревел-фотографиями.

То, что войдет в проект, скоро напечатаю оптическим способом, отсканирую и выложу отдельно. Остальное, что буду показывать — это сканы с пленки (печатать их я не собираюсь). Снимал всё на Kodak Portra 400, камера Hasselblad 503cw с объективом Carl Zeiss 2.8/80.

Итак, первая порция тревела, который в проект не войдет, а выкидывать жалко. Пять портретов иранцев. Ну и раз уж тревел-формат у нас заявлен, добавлю к ним немного текстовых комментариев.

1.


Этот дядя фотографировался со своей молодой невестой в национальных костюмах в деревне Масуле. Фотографом у них была злобная иранская барышня. С какой-то дурацкой камерой вроде Canon 5D Mark IV. Ну или не дурацкой, не важно.

Так вот, увидев парочку, я спросил разрешения их снять, и жених с невестой одобрительно закивали головами. А фотографиня зашипела на меня и категорически запретила снимать. Ну нет, так нет, сказал я, развернулся и ушел.

Так вот, жених догнал меня и показал жестами, что фотограф дура, а он свои слова держит, и если он разрешил мне его сфотографировать, то никакая женщина не сможет этому помешать. Тем более женщина-фотограф, и тем более с четвертым марком (ну это я додумал, конечно, но по разгневанным глазам читалось).

еще 4 портрета с комментариямиCollapse )


Резонансный веник
pavel_kosenko


Батуми, Грузия, апрель 2017
Пленка Kodak Portra 400
Камера Hasselblad 503cw + Carl Zeiss Planar 2.8/80
Ручная оптическая печать с негатива
Бумага Kodak Endura Premier (глянцевая)
20x20 см
Скан

Сохраню, пожалуй, себе на память некоторые перлы из обсуждения этой фотографии Вконтакте. Не знаю как насчет картинки, но комментарии точно шедевральны. Учитесь комментировать, ЖЖ-шники! Вот где жизнь то бурлит :) И это еще далеко не все каменты, а лишь мои самые любимые.

***

Дмитрий Скуридин
Фотографировать на портру и Хасселблад обычный веник...
Мне бы так жить

Александра Скалацкая
Съездить в Грузию и привезти оттуда фотки с веником

Алексей Валентинович
Автор следит за метлой.

Владимир Егоров ответил Артёму
Артём, на мой взгляд фотография символизирует состояние души автора. Поскольку я фотографию воспринимаю, как метафизическую, то и допустил переход на личность автора. На первом плане - упорядочение духовного равновесия. Веник символизирует средство уборки, а белый крест слева - символизирует то, что уборка закончена. А дальний план, который размыт, но виден - дополнительно подчёркивает, что внутренне состояние важнее, несмотря на прелести окружающего мира.

Сергей Асламазов ответил Владимиру
Какая неспокойная фотография. Словно меч занесен над головой и в припадке истерики совершенно абсурдно внимание и драгоценные секунды перед смертью тратятся на созерцание даже не моря, но веника. Такого нахального веника. Тот словно смеется над судьбой его наблюдающего. Слишком чист, слишком аккуратен, слишком правильно стоит. Он словно и не принадлежит этой жизни. Словно в образе этого веника сама смерть пришла. Это фотография кричит ужасом.

Владимир Егоров ответил Артёму
Артём, Малевич на "Чёрный квадрат" тоже краски, кисти и холста не пожалел! Вроде какой-то квадрат, ан нет! Зритель в нём смысл видит!

Владимир Егоров ответил Васе
Вася, если вспомнить, сколько краски перевёл Поллак на свою
картину №5, не говоря уже о стоимости самого холста такого размера, тоже можно негодовать. Ан нет! За 140 миллионов куплена! Всё в этом мире относительно.

Анастасия Попова
Да, по венику сразу ясно, что это Батуми в апреле )

Артём Бич
ЛЮДИ, АЛЁ!! ЭТО ЖЕ ВЕНИК!!!!

Анна Славина
Современное искусство = "Да я сам мог сделать бы так же" + "Да, но не сделал"
Это про то самое.
Поэтому, товарищи, веник рулит!)))

Максим Полежаев
Столько слов в шапке ,а в итоге бл...ть веник 😂

Валерия Саляхетдинова
Веник - да. Но качество фотографии огонь!

Илья Мудрецов ответил Артёму
Артём, ну не назвал бы фотографию "шедевром", но. как минимум, она интересна.
Как минимум её смело можно отнести к жанру "минимализм". В кадре очевидно минимум деталей, все сюжетно важные.
Веник, как, кхм, главный герой снимка подчёркнут лучами солнца.
Довольно ясно показано что происходит и где.
Композиция, все дела.
Да и просто красивый день в красивом месте. Правда за пределами фотографии, но это очевидно.
Короче забавный кадр, без технических огрехов.

Илья Мудрецов ответил Артёму
Артём, не всё же сиськи на хассель фоткать.