pavel_kosenko


Павел Косенко

«Хорошая фотография – это неудачная плохая» (с) Г. Пинхасов


10 лет моему ЖЖ
pavel_kosenko
Пару дней назад моему ЖЖ исполнилось ровно 10 лет, но я, конечно, благополучно профукал эту круглую дату. Несмотря на то, что последние годы я редко сюда пишу, все равно хочу сказать пару добрых слов об этом некогда замечательном ресурсе. Потому что ЖЖ в моей жизни сыграл довольно важную, если не сказать, ключевую роль.

много букв про ЖЖ и эти 10 лет жизниCollapse )


promo pavel_kosenko january 1, 2010 00:05
Buy for 1 000 tokens
Полный список фототуров и выездных мастер-классов: http://www.frameway.club

Обновил свой сайт
pavel_kosenko


Полностью переделал свой сайт, т.к. предыдущий в очередной раз устарел (со мной это происходит с периодичностью примерно раз в 3-4 года). На этот раз решил не заказывать создание с нуля, а воспользоваться готовым решением. Основная причина — такой сайт легче обновлять и поддерживать в актуальном состоянии.

Изучяя существующие инструменты, мой взор был направлен на известные западные платформы — такие как Wix, Wordpress, Cargo, Tilda, Gophotoweb, Viewbook, Squarespace, Koken, SmugMug, Portfoliobox и др. Потратив несколько месяцев, я пришел к выводу, что ни один из них мне не подходит. Или слишком сложно, или наоборот нет базовых возможностей. Я уже почти было плюнул на эту затею, но тут мне начали попадаться простые и симпатичные сайты фотографов на платформе photographer.ru, к которой я сначала не относился серьезно. Решив все-таки познакомиться с ней, я был крайне удивлен — это оказалось именно то, что нужно. Все очень просто (и визуально, и в управлении), ничего лишнего.

Просто удивительно, что множество сервисов с мировым именем, огромными бюджетами и командами не смогли сделать то, что сделал один человек — создатель проекта Photographer.ru, фотограф Андрей Безукладников. В очередной раз глубокое понимание творческих задач и желание сделать инструмент лично для себя одним ударом отправляют в нокаут сотни маркетинговых бизнес-планов.

Если вам интересно взглянуть на мой новый сайт, добро пожаловать:

http://www.pavelkosenko.com


"Show me the way" to Scotland 2017
pavel_kosenko


Видео из фотопутешествия «Фреймвей» по Шотландии, июнь 2017. Смотреть со звуком. Только не подумайте, что я в видеоблогеры подался. Я в этом ничего не понимаю и (пока во всяком случае) не хочу понимать. Просто собрал ролик на память. Из баловства, которое снимал на айфон в процессе поездки.


[reposted post]Кросс-процессы. Практический эксперимент
pavel_kosenko wrote in sreda_photo
reposted by pavel_kosenko


Сегодня мы расскажем о результатах эксперимента, поставленного недавно на очередной встрече Пленочного клуба «СРЕДА». На этот раз мы решили познакомиться ближе с кросс-процессами, о которых ходит много легенд. Различные программы обработки, плагины и приложения для iPhone с гордостью предоставляют пользователям бесконечные варианты обработки а-ля cross process, но имеют ли они отношение к реальным аналоговым кросс-процессам? В сети мало практической информации на эту тему, и мы решили слегка восполнить этот пробел.

https://blog.sreda.photo/2017/06/11/cross-processes/


Существует ли фотография вне отпечатка
pavel_kosenko


Часто приходится слышать о том, что снимок существует только в напечатанном виде. Несмотря на то, что лично я печатаю фотографии всю свою сознательную жизнь (в разные периоды то чаще, то реже), глубокое осознание принципиальной важности отпечатка пришло лишь спустя десятилетия. Здесь есть несколько моментов для понимания:

1. Восприятие фотографии на бумаге кардинально отличается от восприятия на экране компьютера. Начиная от разницы между светимостью монитора и отражающей способностью красок, и заканчивая тактильными и даже обанятельными ощущениями. Мы можем сколь угодно восхищаться виртуальным изображением, но пока мы не увидим его на бумаге, на самом деле мы имеем лишь отдаленное представление об этой (до момента печати потенциальной) фотографии.

2. Разительно отличается отношение самого автора к напечатанному и ненапечатанному изображению. Сотни тысяч файлов на компьютере (или тысячи негативов) — всего лишь сырой материал, большую часть которого ни автор, никто другой никогда смотреть не будет. Задача печати фотографий — это в первую очередь задача выбора, что именно достойно переноса на бумагу. Выбор этот зачастую оказывается мучительным, но зато в итоге среди тонн просеянного материала вычленяются отдельные достойные (на взгял автора) демонстрации изображения.

3. Как только перед автором встает задача напечатать снимок, часто выясняется, что «принтер плохо печатает», «лаборатория наврала цвета», «получилось слишком темно» или что-то подобное. Почти все эти претензии автора — на самом деле не к оборудованию или лаборантам, а к самому себе. Безусловно, существуют чисто технические нюансы печати фотографий, которые важно знать, но их роль обычно сильно преувеличивается. Часто автор хочет перенести на бумагу тот контраст и цвета, которые видел на мониторе, но «вдруг» выясняется, что минилаб или принтер слишком «плохи» для того, чтобы это делать. Истинная проблема заключается в том, что автор живет в виртуальном мире и не понимает, как устроено реальное фотографическое изображение, не умеет с ним работать и его достигать.

4. Конечным результатом работы фотографа нельзя считать полуфабрикат в виде файлов (не важно, Raw или Jpeg) точно также, как не является результатом ненапечатанный негатив. Несмотря на то, что Jpeg/Tiff является интерпретированным изображением, на самом деле не до конца, т.к. при его переносе на бумагу возникает множество новых неоднозначностей для интерпретации. Фотограф должен или доделать свою работу, не останавливаясь на полпути, или перепоручить ее коллегам — лаборантам, печатникам. В последнем случае окончательная интерпретация будет осуществлена не автором, а значит результат часто автора не устроит. Таким образом или автор все-таки вынужден научиться добиваться нужного результата на бумаге (сам или с помощью лаборантов, но в любом случае — с изучением технологий печати), или возвращаемся к п.3.

5. Только увидев отпечаток, автор видит свою фотографию впервые. Соответственно, окончательный выбор работ можно сделать только в напечатанном виде. Бессмысленно пытаться сделать финальный отбор снимков в программе-каталогизаторе: все равно после печати этот выбор изменится, и практика показывает, что изменится сильно. При этом сам процесс физического перекладывания отпечатков на столе в тысячи раз более эффективен, чем процесс расставления звездочек в Лайтруме. Можно сколь угодно ставить это под сомнение, но как только фотограф получает опыт отбора напечатанных изображений, он почти всегда соглашается с правильностью такого подхода.

6. Напечатанная фотография — реальный продукт творчества. Его можно посмотреть вживую, пощупать, выставить в галерее, подарить или продать. Напечатанная фотография существует на самом деле. Виртуальное изображение — это лишь набор единичек и ноликов, приводящий к светимости экрана. Выключаем электричество, и результата работы фотографа не существует. Если в случае пожара от отпечатков и негативов останется хотя бы пепел, в случае поломки жесткого диска от изображения не останется ничего. Ничто не будет доказывать, что оно существовало в принципе. Потому что оно и не существовало.

Значит ли это, что фотографии в электронном виде не нужны? Конечно, нет. Графические файлы нужны как минимум для демонстрации того, что существует физические отпечаток или негатив. А также для широкого круга сугубо прикладных задач — от туристических (например, демонстрация того, как выглядит место, отель и т.д.) до одноразовых новостей и «фото на документы» (например, для сайтов знакомств). Но как только фотография используется даже просто как семейное «на память», уже имеет смысл ее распечатывать — как минимум потому, что тонны файлов на жестком диске почти никто и почти никогда не смотрит, включая самого автора. Как максимум потому, что это принципиально влияет на качество фотографий в эстетическом и художественном плане (в лучшую сторону), т.к. для печати фотографий автору приходется проделать важную внутреннюю работу по отбору по осмыслению того, что он снимает и зачем.

Развивая мысль можно (и, на мой взгляд, нужно) говорить о разнице между цифровой печатью с файлов (в том числе со сканов) и ручной оптичеческой печатью с негативов в темной комнате, когда печать происходит полностью аналоговым способом без участия компьютера. Но об этом поговорим как-нибудь в другой раз. А пока остается лишь добавить о том, что виртуальное изображение приведено в качестве иллюстрации к этой заметке. Хотя правильнее будет сказать наоборот — этот текст родился, пока я рассматривал (вживую, конечно) эту напечатанную вчера вечером фотографию.

Это снимок из моего нового проекта, над которым я работаю уже больше года, и который пока еще не закончен. Я печатаю все фотографии, которые считаю потенциально подходящими в концепции этого проекта. В качестве результата планирую сделать книгу и выставку. За год я напечатал более сотни снимков, и только после этого увидел, какие в проект скорее всего войдут (на сегодня таких около 20), какие идут на скамейку запасных (таких тоже около 20), а какие скорее всего пойдут в корзину (таких более 60). Эта фотография, привезенная из недавней поездки в Армению, в проект скорее всего войдет.

Горис, Армения, май 2017
21х21 см, ручная оптическая печать
с оригинального негатива Kodak Portra 400
бумага Kodak Premier
лимитированный тираж 10 копий


Как правильно оформлять фотографии
pavel_kosenko


Некоторое время назад я обнаружил, что накатанная в 2010 году на дибонд фотография полностью испортилась. Сквозь нее проступил следы клея, подтеки, эмульсия покрылась трещинами и пятнами.



Удивившись такой катастрофической деградации отпечатка всего лишь за 7 лет, я задумался о том, почему это произошло. Начал изучать вопросы оформления фотографий и познакомился с Пашей Дудниковым (на фото выше) — фотографом и сертифицированным оформителем Торговой Гильдии Изобразительных Искусств. В свое время он построил небольшую багетную мастерскую под личные нужды, т.к. смог не найти в Москве качественного оформительского сервиса. Другим фотографам Паша тоже помогает, в частности помог оформить мне некоторое количество фотографий и разобраться с базовыми определениями, как оказалось, весьма непростого дела.

К сожалению, многие даже очень опытные фотографы мало знают о стандартах оформления, о музейно-галерейных требованиях и том, как правильно обрамлять фотографии, если важно добиться их сохранности в течение многих лет. Меж тем, эти вопросы давно изучены, проверены на практике и тщательно задокументированы.

Так сложилось, что законодателем в области оформления фотографий является упомянутая выше Торговая Гильдия Изобразительных искусств (Fine Art Trade Guild, London). Эта организация существует с 1910 года. Занимается исследованиями в области оформления, консервации и архивации произведений искусства, стандартизацией процессов и материалов, созданием узкопрофильной документации, обучением и сертификацией профессиональных багетчиков.

Большая часть документации и учебников FATG предназначены сугубо для членов ассоциации (то есть для багетчиков), тщательно охраняется от несанкционированных публикаций и копирования. Однако некоторые документы предназначены для общего пользования. Некоторые есть даже на русском языке. С одним из них я хочу вас познакомить сегодня. Пожалуй, это ключевой документ, который имеет смысл изучить всем фотографам, которые планируют продавать свои отпечатки:


Five Levels of Framing (Пять Оформительских Уровней)

В документе подробно описаны пять основных стандартов оформления произведений искусства и соответствующие технические требования. Документ довольно большой, содержит специализированные термины, поэтому я попробовал максимально упростить его понимание. Ниже — конспективный, сокращенный до задач фотографов вариант с описанием основных отличий пяти уровней оформления.


1. Минимальный
Цель — сделать простейшую рамку с минимальными затратами. Цена в этом случае важнее, чем внешний вид и качество рамки. Подходит для временной демонстрации работы. Дешевый продукт, в который заказчик может вставить свое произведение.

2. Бюджетный
Цель — сделать приемлемую внешне раму по бюджетной цене. Не предпринимается никаких попыток защитить произведение искусства от старения. Подходит для работы, не имеющей коммерческой или какой-либо иной ценности.

3. Рекомендованный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить минимальный уровень защиты картины от загрязнений в атмосфере, обеспечивающий срок хранения до 5 лет в нормальных условиях. Подходит для работы с незначительной коммерческой или иной ценностью, в которой важен внешний вид изображения.

4. Консервационный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить высокий уровень защиты картины от физических и механических повреждений, загрязнений в атмосфере, кислоты, образующейся в материалах для оформления. Обеспечивает срок хранения работы до 20 лет в нормальных условиях. Подходит для коллекционных произведений искусства, которые необходимо сохранить на будущее — например, подлинные произведения искусства, постеры ограниченного тиража, которые могут потенциально возрасти в цене, а также работы, которые представляют индивидуальную ценность для заказчика.

5. Музейный
Цель — улучшить работу зрительно и предложить максимальный уровень защиты картины от физических и механических повреждений (загрязнений в атмосфере, кислоты, образующейся в материалах для оформления) в нормальных условиях. Применяется для произведений искусства музейного качества, которые необходимо сохранить на будущее, в том числе уже очень ценных и имеющих потенциальную историческую ценность произведений. Все процессы должны быть полностью обратимыми.

Термин «нормальные условия», согласно определению Гильдии, обозначает отсутствие прямых солнечных лучей, температуру от 10 до 25°С, и уровень влажности от 40 до 60%.


Следует отметить, что работа многих оформителей на рынке не соответствует даже минимальному уровню оформления. Тем временем, если вы планируете продавать свои фотографии и не хотите разочаровать вашего покупателя через несколько лет после сделки, оформлять фотографии следует на уровне, не ниже четвертого.

Рассмотрим все уровни чуть подробнее:

подробно про оформление фотографийCollapse )


Ищем UX/UI разработчика в проект Dehancer
pavel_kosenko
Друзья. Команда Dehancer ищет UX/UI разработчика под iOS (желательны также навыки работы с macOS). Предполагается глубокое вовлечение в проект на партнерских началах. Если вам интересно принять участие, пишите на mail@pavelkosenko.com. Пожалуйста, расскажите в двух словах, чем вам интересен наш проект, какой у вас есть опыт и какие технологии вы предпочитаете. Спасибо.

Tags:

Dehancer. Состояние разработок на 24 мая 2017 года
pavel_kosenko


Последний раз я писал о том, как идет работа над Dehancer в январе этого года, то есть четыре месяца назад. Настало время сделать апдейт статуса, то бишь поведать, что произошло за это время и на какой стадии мы находимся сейчас.

Как обычно, произошло многое, хотя снаружи этого и не видно. Во-первых, мы в очередной раз почти полностью переписали интерфейс. То, что я показывал в начале года, претерпело некоторые изменения, в лучшую, конечно, сторону. Далее — мы приступили к тестированию этого интерфейса. Пригласили более 300 бета-тестеров, которые ежедневно шлют нам множество фидбеков. Одну за другой мы выпустили полсотни релизов, каждый из которых содержал правки и улучшения.

На сегодняшний день в работе 176-й билд, но этот процесс несколько затормозился. Дело в том, что наш UX-разработчик, который занимается интерфейсом, был вынужден сменить место жительства и переехать из Сингапура в Австралию. А этот процесс, особенно когда у тебя двое детей, занимает не одну неделю. Так как на сегодняшний день наш проект находится в стадии любительского (мы пока сознательно отказываемся от инвестиций) и не имеет бизнес-структуры, он сильно зависит от личных дел каждого его участника. Ничего плохого в этом нет, такова стадия работы над проектом. Наоборот, отсутствие обязательств перед инвесторами дает нам полную творческую свободу и мы делаем то, что хотим, а не то, что нужно.

Поэтому, пока наш друг и коллега обустраивается в Сиднее, свободные руки команды решили приступить к работе над следующей версией Dehancer. За 2 года работы над этим проектом у нас накопилось немало соображений о том, как мы хотим его развивать. Идей на эту тему у нас вагон и маленькая тележка, лет на 5 работы, если все бросить, и заниматься только этим. Какая именно из идей обойдет остальные, мы и сами не знаем. Но у нас вдруг резко вышла вперед идея с пленочными профилями. Видимо накопилась критическая масса опыта и знаний, потому что похоже, всего за месяц нам удалось сделать в этом направлении настоящий прорыв.

про пленочные профили в DehancerCollapse )

Tags:

[reposted post]Максимально «аналоговая» цифровая печать AGFA
pavel_kosenko wrote in sreda_photo
reposted by pavel_kosenko


Самый естественный и «благородный» способ получения фотографии — прямая оптическая печать с негатива. Свет при этом проходит непрерывный путь через объектив на плёнку и далее сразу на фотобумагу, без оцифровки. Такая печать, как и любая ручная работа, стоит недешево и оправдана в основном для ответственных задач: демонстрация отпечатков на выставках, в галереях, продажа авторских работ. Как правило, в темной комнате печатают фотографии больших форматов.

Однако, что делать, если вам нужно напечатать обычные, например, для семейного альбома, фотографии 10х15 см? При этом, с одной стороны, вы уже привыкли к высокому качеству ручной печати, с другой — не видите смысла тратиться на нее в случае бытовых фотографий.

Казалось бы, решение на поверхности — отсканировать фотопленку и отправить файлы в любую фотолабораторию, которая поддерживает печать в мокром процессе. Именно таким образом печатается подавляющее большинство современных цифровых фотографий. Для этого используются специальные машины с настоящим химическим процессом (проявка, отбелка, фиксаж) — минилабы Noritsu, Fuji Frontier, печатные машины Durst и др.

При соблюдении регламента обслуживания и калибровки таких машин, они позволяют получить отпечатки вполне приличного качества. Однако опытный фотограф, воспитанный на пленочной картинке, как правило, не удовлетворится стандартным качеством цифровой фотопечати. Тому есть как минимум две причины:

  • Большинство действующих фотолабораторий (включая профессиональные) используют минилабы Noritsu. Это современные машины, которые за последние 15 лет были полностью переориентированы на печать цифровых фотографий. К сожалению, в ущерб традициям работы с пленочным изображением. В частности, пострадала система экспонирования — от оптического проецирования она «эволюционировала» к сугубо цифровому принципу «попиксельного» принтера, когда изображение переносится из файла на бумагу помощью лазера или светодиодов.
  • Почти все современные фотолаборатории используют бумагу Fuji, которая дешевле и доступнее Kodak. Это позволяет оптимизировать стоимость печати, но, к сожалению, не лучшим образом отражается на качестве отпечатков.
В конце 2016 года Творческая лаборатория «СРЕДА» озадачилась вопросом поиска высококачественного и вместе с тем доступного способа печати фотографий, максимально приближенного к принципам оптической печати. В первую очередь нас интересовала печать малых форматов (от 10х15 до 20х30 см), поскольку мы считаем, что большие фотографии (от 20х30 см и более) в любом случае лучше печатать ручным способом. Оказалось, что такое решение существует — минилаб AGFA D-Lab.1 предыдущего (переходного между пленкой и цифрой) поколения.

На сегодняшний день AGFA D-Lab.1 — единственная в мире машина, которая проецирует кадр целиком на фотобумагу, через настоящий объектив, точно так же, как это делается при ручной оптической печати. В роли «негатива» при этом выступает матрица, на которую выводится фотография. Принцип похож на работу проектора, который выводит картинку из цифрового файла, только вместо белой стены выступает настоящая фотобумага. Далее экспонированный отпечаток отправляется в стандартный химический процесс с проявлением, отбелкой-фиксированием и промывкой.



Благодаря оптическому принципу экспонирования и химическому процессу проявки, AGFA позволяет напечатать цифровое изображение (будь то скан пленки или цифровая фотография) максимально «аналоговым», если так можно выразиться, образом. Такая печать отличается пластичностью, высокой детализацией, плавностью тональных переходов и самое главное — «аналоговым» цветом. AGFA D-Lab позволяет буквально вдохнуть жизнь в цифровые файлы.

читать статью целиком


Как я начал снимать проекты
pavel_kosenko
Всего 3-4 года назад я не только не мог ответить на вопрос «Что вы хотели сказать своими фотографиями», но и считал подобные вопросы в корне ущебрными. При этом я козырял красивыми фразами вроде «Если бы автор хотел сказать, он бы сказал. Но автор не говорит, а показывает» и гордо заявлял о том, что я просто снимаю, занимаясь искусством фотографии в чистом виде, и ничего не хочу сказать своими снимками. Я считал, что хорошую фотографию невозможно и не нужно объяснять — она либо существует, либо нет, ее либо понимают, либо нет. Я был уверен в том, что слова в этом процессе излишни и даже вредны.

Однако прошло некоторое время, и мое отношение к смысловой части фотографии изменилось кардинальным образом. При этом я и сейчас не считаю правильным объяснять те или иные кадры. Это не только не нужно, но и часто бывает невозможно. В первую очередь потому, что отдельные снимки перестали иметь для меня значение, даже если это безусловные шедевры. Я могу им порадоваться (и часто радуюсь), будь то мои или чужие фотографии, но они не оставят в моей душе глубокого следа, если за ними не стоит чего-то более значимого, чем просто красивая картинка или уникальный решающий момент.

Времена Картье Брессона давно прошли. В наше время самостоятельные шедевры умеет делать каждый. А если еще не умеет, то научится при должном усердии. Но этого, к сожалению, слишком мало для того, чтобы заявить о себе как о современном авторе. Здесь возникает важный вопрос — а вообще говоря, надо ли это делать? Ответ на него будет индивидуальным для каждого фотографа. Вполне допускаю (и не считаю это зазорным), что многим людям этого не требуется. Я и сам был таким некоторое время назад. Но потом что-то пошло не так, и мой девственный взгляд на фотографию начал портиться.

Когда это произошло и почему, спрашиваю я себя? Почему я, свободный художник, не обремененный стереотипами проектного мышления, снимающий фотографию в чистом, незамутненном избыточными смыслами чувственном виде, вдруг перестал удовлетворяться отдельными хорошими фотографиями, коих у меня, безусловно, был вагон и маленькая тележка?

Оказывается, я начал меняться, когда однажды решил собрать свои работы в единое целое. Я еще не знал, что это будет: книга или выставка. Но был уверен, что это будут мои лучшие цветные снимки, сделанные за последние несколько лет. И вот, когда я начал работать над этим проектом (вот тут впервые и появилось это слово), то вдруг сделал для себя несколько важных открытий.

Несмотря на то, что все снимки были сделаны примерно в одной технике, они не собирались в единое целое. Самостоятельные «шедевры» разваливались, стоило их поместить рядом с другими аналогичными «шедеврами». Какой бы концепцией я не пытался объединить свои работы, сразу отпочковывался ряд фотографий, которые вываливались из единого ряда, причем таких фотографий было большинство. А те идеи, которые позволяли объединить все работы, оказывались чрезмерно банальными (помню одну из подобных с названием «Вокруг цвета»). Формально собрать проект из разрозненных фотографий было не сложно, но проблема была в том, что меня самого не устраивала смысловая и эстетическая целостность результата.

Потратив на попытки больше года, постепенно я начал интересоваться тем, как объединяют свои фотографии другие авторы. Стал интересоваться выставками, фотокнигами, победителями конкурсов и обращать при этом особое внимание на саму идею, авторское высказывание, которое делают фотографы. То есть стал буквально интересоваться тем, что хотел сказать автор своими фотографиями. Неожиданно для самого себя этот вопрос стал для меня актуальным, потому что я почувствовал острую необходимость осмыслить собственное творчество — зачем я делаю все эти, безусловно, великолепные фотографии? Что я хочу ими сказать?

Размышления на эту тему постепенно привели меня к моей первой проектной работе — книге «ОШИБКА». Сделанной на основе моих черно-белых фотографий, снятых на пленку в глубоком детстве, а не на основе цветных современных, как я хотел изначально. Эта книга была для меня тренировкой, пробным шаром. Она получилась в совершенно нехарактерном для меня стиле, но тем не менее это было искреннее высказывание. Немного наивное, как и сама тема, но зато я наконец целиком и полностью ощутил, что такое проект. И окончательно заболел этой заразой.

Дровишек в огонь подбросила поддержка отечественной творческой группы RIS (Russian Independent Selfpublished), которая представила мою книгу на западных международных книжных ярмарках в Амстердаме, Париже, Арле и других городах, где ее покупали западные коллекционеры. Вдохновленный «международным признанием», я с яростью приступил к следующему проекту. На этот раз я твердо решил, что новая книга будет состоять из цветных фотографий, ведь я цветной фотограф, это мой ключевой интерес в фотографии.

Однако, если в первом проекте у меня еще было несколько цветных снимков, то вторая книга получилась полностью черно-белой. Точнее, черно-черной, потому что ч/б фотографии в ней я напечатал на черной бумаге. И это было не выпендрёжом, а абсолютно осмысленной формой выражения конкретной идеи, которая родилась в моей голове при осмыслении собственных фотографий и моего собственного к ним отношения — идеи, которую я хотел таким образом донести до зрителя.

Судя по всему, мне это удалось. В 2016 году книга «Непрояв.» была представлена на выставках «Специальное издание. Фотокнига в России» (Фотомузей Дом Метенкова, Екатеринбург, Россия), The Photobook Exhibition (Benaki Museum, Афины, Греция), вошла в шот-лист конкурса INFOCUS Photobooks Exhibition 2016 (Phoenix Art Museum, Аризона, США), в 2017 приняла участие в выставке «Новый разворот» в Центре фотографии им. братьев Люмьер (Москва). Кстати, эта выставка будет идти до 28 мая, советую сходить всем неравнодушным к фотографии и проектному мышлению в современном искусстве.

Теперь, когда проектная муха укусила меня еще глубже, я уже не могу мыслить отдельными снимками. В какой бы стране я не фотографировал, какую бы пленку не заряжал в свою камеру, я каждый раз даю себе отчет в том, зачем я это делаю, и что именно я хочу сказать своими фотографиями.

Конечно, не всегда получается ответить на эти вопросы сразу. Нередко я экспериментирую, поддаваясь иррациональному чувству, которое увлекает меня за собой и ведет, казалось бы, в другую сторону. Но почти всегда эти эксперименты приводят к нужной цели, т.к. мое подсознание ею озабочено, даже если я сам этого еще не понимаю.

Более того, если первые два проекта я собрал на основе снятых ранее фотографий, то теперь снимаю вполне осмысленно под конкретную идею, которая живет и крепнет во мне с каждым месяцем вот уже полтора года подряд. Я не люблю рассказывать о том, что собираюсь сделать, предпочитаю говорить о том, что сделано. Поэтому пока не буду вдаваться в подробности. Скажу лишь, что полгода назад я уже было закончил этот проект, отсняв для него весь материал в десятке стран. Но очередной виток мысли вдруг дал ясное понимание, что можно сделать намного лучше, поэтому всю ту съемку я выкинул, и приступил заново.

Проектная съемка имеет много общего с психологией — наукой, которую я, с одной стороны, не признаю, с другой, активно использую в своей фотографической практике. Чем глубже работа над проектом, тем глубже копаешь в самого себя. А когда докапываешься до истинных глубин, порой страшно показать это широкой аудитории, чувствуешь себя голым перед толпой. Для того, чтобы довести проект до конца, нужна определенная смелость, и мне это тоже нравится — и докапываться до глубин, и смелеть.

Работая над проектом, постоянно делаешь новые открытия. То, с чего начинается мысль, часто настолько преобразуется в процессе, что от изначальной идеи не остается ничего. Если тебя осенило один раз, скорее всего это еще не проект, а просто первичная идея. Если работая над ней, тебя осенило еще 10 раз новыми мыслями и уровнями погружения — это уже признак того, что проект формируется как самостоятельное высказывание. Потому что проект — это многослойная многоуровневая концептуально-эстетическая категория. Катарсис, который испытывает автор при открытии каждого нового слоя или уровня, сложно передать словами.

Создавая проект, я нахожу для себя ответы на все вопросы с ним связанные. Я могу объяснить, почему выбрал именно эту камеру и пленку, а не какие-либо другие. Почему снимал в этих местах, а не других. Могу объяснить название проекта, выбор фотографий, их последовательность и любые мелочи вплоть до цвета страниц книги и ее формата, способа развески и освещения фотографий. Все это составные части проекта, работающие на единое целое.

Наличие ответов не означает, что я буду их объяснять кому-либо. Как правило, подрбоных объяснений делать как раз не требуется, особенно в стейтменте (описательном тексте проекта). Не стоит считать зрителя глупцом, не способным оценить и прочувствовать высказывание, сделать собственное небольшое открытие. Но очень важно иметь все ответы для самого себя. Поиск ответов меняет и развивает проект, помогает ему стать осмысленным высказыванием, а автору докопаться до глубин собственного восприятия. Проект сродни диссертации, а его результат научному открытию, только в искусстве. Невозможно сделать значимое открытие, «заминая для ясности» те или иные постулаты.

У проекта нет цели объяснить фотографии автора. Задача ровно обратная — сделать фотографирование осмысленным творческим актом. Это не значит, что фотография перестает быть иррациональной, спонтанной, чувственной. Осмысление это не игра ума, не объясняющие слова, как думают поначалу многие. Осмысление приводит от просто нажатия на кнопку к авторскому высказыванию. То есть не слова объясняют фотографии, а фотографии порождают смыслы (не обязательно, описываемые словами). Таким образом осмысление ни в коей степени не перечеркивает магию творчества, а ровно наоборот — усиливает её.

Но самое главное, что проект для меня — это наркотик. Если раньше я «курил травку», снимая отдельные фотографии, то теперь «жестко присел на георин». Я думаю, что испытав однажды высочайшую степень интеллектуального и одновременно с этим эстетического удовольствия от проектной фотографии, обратного пути у фотографа уже нет.

Но как начать снимать проекты? Одного желания сделать книгу или выставки для этого, к сожалению, недостаточно. Как говорил мой гитарный учитель, «для того, чтобы музыка была выразительной, автору должно быть что выражать». Для того, чтобы придти к проектному мышлению, должно не просто созреть желание осмыслить собственное творчество, но и появиться конкретные мысли на тему того, что и зачем снимает автор, что он хочет сказать своими фотографиями. На основе личного чувственного опыта должно созреть переживание, которым хочет поделиться автор. Эту мысль невозможно привнести снаружи, поэтому любой куратор, как и психолог, не дает ответы, а лишь задает правильные вопросы. Ответы может найти и сформулировать только сам автор, и никто более. Чего я вам и желаю, дорогие друзья и читатели моего журнала. Даже удивительно, что вы дочитали до этого места, за что вам большое человеческое спасибо.

P.S. Зачем я написал этот текст? Для своих друзей и учеников, с которыми мы часто обсуждаем вопрос проектного мышления в фотографии: что это такое, нужно ли это, как к этому придти. И вообще для всех, кто хоть раз задумывался об этом. Я решил поделиться своим опытом, потому что несколько лет назад мне самому очень не хватало, чтобы со мной поделились подобным. И, конечно, мне, как человеку ленивому, всегда проще дать ссылку на статью, чем каждый раз писать разным людям про одно и тоже. Надеюсь, этот текст оказался вам если не полезным, то хотя бы любопытным.


?

Log in